Как известно, в прежние время всякий уважающий себя король непременно обзаводился шутом, который должен был не только веселить самого короля и придворную знать, но также выполнять важные посреднические функции.
Тут вступали в действие соображения этикета. Король хотя и обладал иногда очень большой и даже абсолютной властью, не всегда мог открыто критиковать своих придворных за какие-то ошибки или неправильные действия. Но часто складывались обстоятельства, когда такая критика становилась совершенно необходимой и должна была быть публичной, во время больших приемов при дворе.
Вот тут и выходил на первый план мудрый шут, который в завуалированной форме мог покритиковать придворных, тем самым выполняя важные регулирующие функции, делегированные ему самим королем.
Придворные, со своей стороны, тоже пользовались возможностью донести те или иные вещи до короля с помощью его же шута.
Поэтому предварительные переговоры с шутом становились часто высшим пилотажем придворных интриг. Само собой, для придворных шут ничего бесплатно не делал, и, следовательно, его должность была очень прибыльной. Хотя и опасной! Ляпнув что-нибудь не то, или слишком зарвавшись, шут мог отведать розог или даже лишиться головы, хотя это случалось очень редко.
Короли дорожили головами своих шутов иногда больше, чем головами самых дипломатичных придворных и успешных полководцев.
В России шуты были тоже очень востребованы. Шуты Петра Первого Иван Балакирев и Ян д’Акоста были очень знамениты и пользовались не только вниманием, но и уважением царя.
Уличные шуты в России назывались скоморохи, и чаще всего выступали в балаганах, являвшихся предшественниками современных цирков.
Были еще и так называемые юродивые, жившие обычно при церквах, на подаянии. Среди юродивых было много обычных проходимцев и психически больных людей, но иногда кое-кто из них добивался широкой известности как ясновидец и целитель, и пользовался большим авторитетом среди обычного народа и знати.
Самый известный юродивый начала ХХ века в России – это Григорий Распутин. Он пользовался таким влиянием на русскую царицу, жену Николая Второго, что обладал возможностью влиять на российскую и мировую политику.
За что в конце концов и поплатился, став жертвой заговора придворных.
Из шутов произошли и цирковые клоуны, о которых тут на Узнайке уже рассказывалось.
Ну а самый известный российский шут современности – это, конечно же, Иван Охлобыстин.
Он и «священник», и актер, и тусовщик, и даже претендент на пост президента, хотя и то, и другое и третье для него всего лишь игра, на потеху публики.
В то же время нельзя не отметить, что эта игра приносит Охлобыстину большую известность и повышает его востребованность, а значит, и рыночную цену.
Так что он хотя и шут, но далеко не дурак – как и положено любому классическому шуту.

Впечатлительные взрослые называют детское пение ангельским, и, в принципе, это так и есть. С двумя уточнениями: во-первых, ангельским может быть только пение талантливых и хорошо обученных юных исполнителей. Во-вторых, так уж устроила природа, что самыми прекрасными на свете являются не просто детские голоса, а голоса мальчиков.
Голоса девочек тоже звучат очень неплохо, умиляя и радуя взрослых и сверстников, но голоса мальчиков…
Это что-то совсем особенное!
Они звучат не просто красиво и глубоко – они завораживают, околдовывают, увлекают за собой в божественные высоты.
Именно поэтому первые хоры мальчиков были созданы уже в древние времена, а Венский хор мальчиков существует более 500 лет!
Ну и, к сожалению, в западной истории вокального искусства была такая позорная страница, как кастрирование мальчиков с целью сохранить их ангельские голоса на всю жизнь. В XVII-XVIII веках в Западной Европе существовали целые хоры кастратов. На этом печальном обычае основан и знаменитый фильм «Фаринелли кастрат» 1994 года.
К XIX веку европейцы поняли, что искусство может быть целой жизнью, но никакое искусство не стоит нормальной жизни, так что создание новых «фаринелли» прекратилось.
В настоящее время хоры и вокальные коллективы мальчиков существуют во многих странах, и самые знаменитые из них с огромным успехом гастролируют по всему миру.
В таких коллективах мальчики участвуют лет с 7-ми и примерно до 16-17-ти, пока не начинается возрастная ломка голоса. После ломки кому-то везет, поскольку его голос превращается в звучный взрослый тенор, баритон или даже бас. Но подавляющее большинство не может продолжать вокальную карьеру.
Тут нельзя не вспомнить Робертино Лоретти, который в 1950-х годах покорил своим исполнением весь мир, и продолжал выступать взрослым, хотя его голос звучал уже далеко не так, как в детстве.
В России очень известен хор мальчиков и юношей хорового училища имени А.В.Свешникова. Он был создан в 1944 году, и в свое время специально для него писали такие композиторы как Сергей Прокофьев и Дмитрий Шостакович.
Очень известна песня «Родина слышит» Дмитрия Шостаковича на стихи Евгения Долматовского, впервые исполненная этим коллективом в 1950-м году без сопровождения каких-либо музыкальных инструментов, с солистом Женей Талановым. Но звучит она необыкновенно мощно, поскольку сам по себе хор – это уже оркестр.
В конце 1960-х годов этим хором руководил Виктор Сергеевич Попов, который в 1970-м году создал и возглавил Большой детский хор Центрального телевидения и радио.
В одном из интервью Виктор Сергеевич рассказывал о том, что настоящий вокалист должен использовать все возможности своего организма. Звук извлекается с помощью связок, поддерживается правильно поставленным дыханием и обогащается резонаторами, которыми служат грудь и голова.
В настоящее время одним из самых известных в мире вокальных коллективов является ансамбль мальчиков «Libera», уже более 25 лет существующий при церкви святого Филиппа в Лондоне. Участники этого ансамбля не просто очень талантливы, но и великолепно владеют своими голосами, и своими резонаторами.
А еще все они и в самом деле похожи на ангелочков, поскольку выступают всегда только в длинных белых рубахах. Только крылышек не хватает.
Впрочем, на их концертах публика и так «улетает», без всяких крылышек!..

Есть такой термин в актерской среде – «амплуа». Это когда актер лучше всего играет роли примерно одного плана. В этом смысле есть актеры-трагики, актеры-комедианты, актеры эпизода, характерные актеры и так далее. А вот знаменитая американская актриса Вупи Голдберг относится к тем редчайшим талантам, которым доступны абсолютно любые роли, от самых драматических до самых уморительно-комедийных.
Многие сразу вспомнят ее блистательные роли лживой прорицательницы в фильме «Призрак», или «монашки» в фильме «Действуй, сестра!», или хитроумной и умелой взломщицы из фильма, который в русском переводе так и называется «Взломщица». Но многие оценили и ее роль в американском фильме советско-русского режиссера Андрона Кончаловского «Гомер и Эдди».
Большое впечатление на публику произвела в свое время и работа Вупи Голдберг в фильме 1988 года «Сердце Клары». В нем она сыграла роль домработницы, которая вывела из тяжелейшего стресса и помогла найти себя белому мальчику-подростку. Его очень богатые родители-эгоисты до развода и после развода думали только о себе, не скрывая от сына своих любовных связей. И только Клара сумела окружить его настоящей человеческой заботой и вниманием, причем без всяких лишних сантиментов.
Эта сюжетная линия – Вупи Голдберг в роли мудрой служанки, успешно решающей проблемы других людей – оказалась настолько удачной, что продюсеры еще не раз предлагали Вупи роли в похожих фильмах.
Например, в фильме «Богус», в котором Вупи Голдберг сыграла в дуэте с Жераром Депардье.
Но по мнению очень большой части публики лучше всего Вупи Голдберг удалась роль служанки, точнее, няньки, в фильме «Коррина, Коррина» 1994 года. Это была уже не нудноватая психологическая драма, как в «Сердце Клары», и не фэнтэзи, как в «Богусе», а классическая мелодрама с увлекательной любовной историей и яркими комедийными моментами.
У маленькой девочки Молли умерла мама. Молли была настолько этим потрясена, что перестала говорить. И в этот момент в ее жизни появляется нянька по имени Коррина. Шаг за шагом, действуя совершенно естественно и мудро, Коррина влюбляет в себя не только малышку Молли, но и ее осиротевшего папу.
Вскоре Молли не только вновь начинает говорить, но играет и веселится как прежде.
Для понимания некоторых нюансов происходящего надо сказать, что действие фильма «Коррина, Коррина» происходит в США где-то на рубеже 1950-1960-х годов.
При этом Коррина – чернокожая, Молли и ее папа – белые.
В те годы Америка еще только начинала избавляться от своего многолетнего расизма, и Коррина уже смогла окончить университет, но получить работу по специальности никак не могла, потому и была вынуждена наниматься нянькой и уборщицей.
Так что начавшийся между Корриной и папой Молли роман вызвал неоднозначную реакцию как белых, так и черных, поскольку расизм бывает самого разного цвета.
Героям фильма, разумеется, удалось преодолеть все преграды, и внешние, и внутренние.
Один из самых трогательных моментов фильма – это когда Молли закрашивает лицо куклы-мамы в ее игрушечном домике в черный цвет…
Хотя дело ведь не в цвете кожи, а в таланте и любви, который проявляет Коррина, и с которыми Вупи Голдберг играет каждую свою роль.

«Полет навигатора» — это кинофильм для семейного просмотра производства “Walt Disney Pictures”. Фильм был снят в 1986 году, в СССР в широком прокате шел в 1989 году, и так понравился детям и подросткам, что многие ходили на него по несколько раз. В других странах, где шел этот фильм, реакция юной публики была такая же.
Детей в этом фильме захватывала, во-первых, сама по себе история 12-летнего Дэвида Фримэна, который однажды пропал неизвестно куда, а потом вернулся через 8 лет все таким же. Его родители немного постарели, а его младший брат превратился в юношу. В ходе фильма выясняется, что Дэвид незаметно для себя совершил путешествие в другую Галактику со сверхсветовой скоростью, из-за чего, в соответствии с теорией относительности, и остался ребенком.
Во-вторых, в полном распоряжении Дэвида вдруг оказывается инопланетный разумный космический корабль, на которой Дэвид летает куда хочет вокруг всей Земли.
Каждый ребенок на свете мечтает о такой замечательной «игрушке»! Дети потому и ходили на фильм снова и снова, что во время просмотра могли поиграть с «летающей тарелкой» вместе с Дэвидом.
На форумах можно прочесть восторженные отклики этих выросших «детей», которые пишут о том, что смотрят «Полет навигатора» уже вместе со своими детьми и те испытывают такое же страстное желание оказаться в космическом корабле на месте Дэвида.
В общем, «Полет навигатора» для студии Диснея стал еще одним «вечнозеленым» проектом, интересным многим поколениям.
Тем не менее, в 2009 году “Walt Disney Pictures” объявила о своем намерении сделать ремейк «Полета навигатора». Была даже названа фамилия режиссера, который должен был заняться реализацией этого намерения.
Но вот прошло почти два года, а ремейка все еще нет.
Зато в 2009 году на экраны кинотеатров всего мира вышел фильм «Ведьмина гора» той же студии, в котором также используется тема «летающей тарелки», и главные герои этого фильма – тоже дети. Правда, по возрасту они старше Дэвида, и не земляне, а инопланетяне, но главное различие двух фильмов не в этом.
«Полет навигатора» — это, прежде всего, добрая сказка. Даже инопланетный космический корабль в этом фильме сказочный, практически мультяшный. И при этом все его метаморфозы и полеты захватывают дух.
«Ведьмина гора» — это жесткий боевик, с погонями и взрывами, под явным влиянием современных компьютерных игр. И космический корабль в нем сделан тоже как в компьютерных играх, очень технологично и наглядно.
Вот только эти технологии в фильме как-то не увлекают. Уж очень они земные, привычные, без «изюминки». Ну что мы, не видели компьютеров? Или всех этих «гаджетов», которыми пользуются герои фильмов?.. Видели! Сами пользуемся! Да и компьютерных игр у нас навалом.
А уж когда в «Ведьминой горе» появляется биологический робот-убийца, становится просто скучно. Это все тот же Терминатор вместе с Чужим, которого для фильма делали те же специалисты.
Понятно, что кинопроизводство сейчас вынуждено конкурировать с компьютерными играми, но возникает такое чувство, что в «Ведьминой горе» технологический и рыночный подход для продюсеров был намного важнее сюжета.
Однако вышел парадокс. В «Полете навигатора» сама история была рассказана очень интересно. И при небольшом бюджете этот фильм сделал очень неплохие сборы.
А фильм «Ведьмина гора», при довольно значительном бюджете, по итогам сборов в США едва окупился, а в мире едва вышел на средний уровень прибыльности. Кстати, этот фильм – тоже ремейк, на фильм 1975 года выпуска.
Так что, может быть, американским «королям ремейков» лучше не клонировать старые, а задуматься о новых, оригинальных проектах?

В качестве главного или одного из главных героев кролик в основном распространен в западной литературе. В русской литературе и фольклоре больше известны зайцы, как в поэме Николая Некрасова про деда Мазая.
Это не случайно. В диком состоянии кролик лучше чувствует себя именно в западных, то есть в более теплых странах, и потому он вполне естественно вошел в фольклор и авторские произведения западных писателей.

Самый знаменитый
Это, разумеется, кролик из рассказов английского писателя Алана Александра Милна про Винни Пуха и его друзей. Мы эти рассказы знаем в потрясающем, уникальном переводе Бориса Заходера. В этих переводах Кролик так хорошо говорит по-русски, и так ярко представлен, что читать Заходера рекомендуется все-всем-всем и в любом возрасте!
Кроме того, этот кролик также очень запомнился нам по великолепным мультфильмам Федора Хитрука. В них Кролик является не только практикующим жизненным философом, но хлебосольным, точнее сгущенномолочным и медовым хозяином. В некотором смысле он даже слегка пострадал из-за своего гостеприимства. Хотя Винни Пух, конечно, пострадал больше…

Самый хитроумный
Это, конечно же, Кролик из сборника «Сказки дядюшки Римуса» американского писателя Джоэля Чандлера Харриса. На русском языке эти сказки впервые появились в 1936 году в пересказе Михаила Гершензона, и с тех пор постоянно переиздаются. Правда, это не вполне авторские сказки – это обработанный Харрисом негритянский фольклор. Говорят, из-за этого африканцы до сих пор обвиняют Харриса в том, что он просто позаимствовал их сказки, и, лишь слегка «пригладив», опубликовал под своим именем.
Как бы там ни было, если бы не Джоэль Харрис, то Братца Кролика (а также Братца Лиса, Братца Волка и других) мир бы, возможно, и не узнал.
А так всем известно, что Братец Кролик отличается не только острым умом, наблюдательностью, находчивостью, но и высоким индексом выживаемости в непредсказуемых условиях!..

Самые неизвестные в нашей стране
Это кролики из приключенчески-философского романа английского писателя Ричарда Адамса «Обитатели холмов». Роман создан по мотивам устных историй, которые Адамс рассказывал своим детям, но был написан в первую очередь для взрослых. На языке оригинала книга вышла в 1972 году, затем в 1979 году по ней был снят полнометражный мультфильм.
На русском языке этот роман выходил в разных переводах и под разными названиями, а мультфильм под названием «Корабельный холм» шел в широком прокате.
Тем не менее, поскольку у нас эта книга и мультфильм появились уже не в самое литературное время, герои Адамса до сих пор известны далеко не всем.
А зря.
Роман очень увлекательный. Ричарду Адамсу удалось описать кроликов не как антропоморфных (то есть человекоподобных), а как совершенно самостоятельных существ, которые думают, строят планы, преодолевают трудности, влюбляются, создают семьи, воспитывают детей и в своих норах добиваются самых высоких целей!

Все-таки именно 80-е годы прошлого века были самым интересным этапом для мирового кинематографа. В те годы наступил некий баланс между технологиями кино и творческими способностями режиссеров, сценаристов, актеров.
Тогдашняя техника позволяла добиваться самых разнообразных спецэффектов, но при этом заставляла режиссеров и операторов изобретать оригинальные подходы и приемы, чтобы на экране достоверно изобразить все задуманное. Потому и актеры в то время не полагались на технику так, как они полагаются на нее сейчас, и потому добивались выразительности и убедительности создаваемых образов в первую очередь с помощью своих способностей и талантов.
Вот это и было главным. И даже в фильмах в жанре «фэнтази» режиссеры ухитрялись показывать разные превращения без лишних технических наворотов.
Взять, к примеру, американский фильм «Манекен» 1987 года выпуска. Сюжет его строился на том, что дух древней египетской принцессы переселился в манекена, в которого влюбился собравший его дизайнер, и в присутствии этого дизайнера манекен превращался в настоящую девушку. До кульминационного момента в фильме девушка могла быть живой только в присутствии этого дизайнера. При появлении других людей она моментально превращалась опять в манекен.
Идея этого фильма пришла в голову режиссеру Майклу Готтлибу еще в начале 80-х, когда он как-то вечером проходил мимо витрины универмага, и ему вдруг показалось, что один из манекенов на витрине ожил.
В фильме моменты «оживлений» манекена делались исключительно с помощью привычной кинотехники и монтажа. Были изготовлены несколько одинаковых манекенов, в разных позах, и в нужные моменты ими заменяли живую актрису, или, наоборот, живую актрису заменяли манекеном.
Наиболее ярко все эти переходы показаны в сцене катания дизайнера и девушки на мотоцикле. Дизайнер за рулем, девушка сзади. Но она — то девушка, то опять манекен. Вот живая девушка показывает оттопыренный средний палец преследователям, и тут же видно, что это – жест манекена.
Понятно, что при съемке этого эпизода всей команде фильма пришлось изрядно потрудиться. Пришлось ведь снимать несколько проездов, и то усаживать на мотоцикл манекен, то настоящую актрису.
Этой актрисой, кстати, была великолепная Ким Кэтролл, но ей ничуть не уступали и другие актеры, игравшие остро драматические, гротескные и комедийные роли, поскольку фильм «Манекен» по жанру и есть комедия.
И это очень легкая, симпатичная комедия, без всякого «туалетного» юмора, хотя есть в ней и острые, и эротические моменты, которые были срежиссированы и сыграны чрезвычайно изящно.
Поэтому фильм «Манекен» был очень успешным в коммерческом смысле в год выхода на экраны и остается очень смотрибельным и сейчас.
Исходя из коммерческого успеха, этот фильм не мог остаться без сиквела. Он был сделан в 1991 году, другим режиссером, с другими актерами в главных ролях и фактически по другому сюжету, в котором тема превращения манекена в живую девушку тоже является определяющей, но подается совершенно иначе.
Называется сиквел «Манекен в бегах», или, в другом переводе, «Манекен в движении», и нисколько не уступает первому фильму в увлекательности и юморе.
В общем, когда режиссеры и продюсеры думают не только о деньгах, а стараются придумывать интересные истории, то у них получаются не просто поделки на один просмотр, а самые настоящие шедевры, интересные многим людям многие годы.

Про киносериал Джорджа Лукаса «Звездные войны» знают практически все, и видели его тоже практически все. А вот фильм «Отроки во Вселенной» известен только в нашей стране, хотя это не совсем справедливо.
Самый первый фильм «Звездных войн», который, как оказалось позже, является только четвертым фильмом из этой масштабной саги, вышел на экраны в 1977 году. И сразу же поразил всех не столько даже спецэффектами, сколько свежестью открытия совсем новой Вселенной будущего, в котором светлые силы – при помощи фантастической Силы – одерживают верх над тьмой.
Советские зрители тогда практически ничего об этом фильме не знали. До нас тогда долетали только какие-то отголоски, какие-то слухи, да еще подпольно распространяемые фотоснимки, «постеры», как сейчас бы сказали.
Но зато у советских подростков была своя собственная сага-дилогия, «Москва-Кассиопея» и «Отроки во Вселенной», и она так же поразила воображение советского зрителя, как «ЗВ» — воображение западного зрителя.
«Москва-Кассиопея» вышла на экраны в 1973 году, «Отроки во Вселенной» — в 1974 году, то есть за 4 и 3 года до выхода «ЗВ», но при этом режиссеру Ричарду Викторову удалось при тогдашних технических возможностях создать совершенно завораживающее зрелище с невероятно увлекательным сюжетом.
В его дилогии не было лазерных мечей, и других подобных «фишек», но роботы, космические корабли, инопланетные пейзажи были сделаны абсолютно реалистично. Они были прямо как настоящие! Казалось, вот еще чуть-чуть – и к ним даже можно прикоснуться, и с помощью нуль-транспортировки оказаться прямо на планете звездной системы Шедар, где и происходили основные события.
И потому всем подросткам, да и более молодым людям, заполнявшим залы кинотеатров во время показа этих фильмов, страстно хотелось оказаться в одной компании с юными космонавтами звездолета «Заря», чтобы тоже сразиться с безжалостными роботами, и непременно победить. Других вариантов, кроме победы, в этом сюжете просто быть не могло.
Кстати о сюжете. Сценаристы Исай Кузнецов и Авенир Зак изначально писали сценарий для одного фильма, но затем, когда объем написанного превысил привычный тогда лимит, было решено делать два фильма. В общем, все происходило естественно, и никто не мешал творческому энтузиазму творцов этого киношедевра.
Ричард Викторов, к сожалению, скончался в 1983 году, когда ему было всего лишь 64 года.
Джордж Лукас живет и здравствует и ныне.
Но лучше бы он не снимал вторую-первую трилогию своих «Звездных войн». Конечно, она сделала огромные сборы, и добавила ему и славы, и личного капитала, только вот по увлекательности сюжета и в подметки не годится первой трилогии.
А еще было очень грустно наблюдать за тем, как темная сторона силы постепенно овладевает Анакином Скайуокером, и он превращается в Дарта Вейдера.
Конечно, всем известно, что в последнем фильме саги остатки добра в нем все-таки победят, и светлые силы в целом восторжествуют, но из-за того, что вся сага «ЗВ» была снята «сзаду наперед», впечатления искажаются.
А вот ощущения от просмотра дилогии «Москва-Кассиопея» и «Отроки во Вселенной» и сейчас остаются все такими же светлыми и пронизанными легкой ностальгией по будущему, которое так замечательно было снято в прошлом.
Возможно, те сценаристы и режиссеры знали о нашем будущем больше, чем знаем мы теперь.

Возможно, только эта певица и артистка имеет право считаться суперзвездой нашей эстрады. Термин «шоу-бизнес» в данном случае никак не подходит, поскольку масштаб Елены Камбуровой значительно превосходит всё то и всех тех, которых современный российский «шоу-бизнес» может предъявить публике.
Она родилась в 1940-м году, и до сих пор не только сохранила свой великолепный голос, но и продолжает гастролировать по России и другим странам мира, неизменно собирая полные залы.
В чем же секрет Елены Камбуровой?
Попробуем разобраться

Постоянная работа над собой
В 1967 году Елена Камбурова окончила государственное училище циркового и эстрадного искусства. Однако этого образования ей было мало, поскольку она является не только певицей и актрисой, но также занимается постановкой музыкальных спектаклей. И Елена Камбурова поступила в ГИТИС, на факультет эстрадной режиссуры, который и окончила в 1979 году. В 1992 году создала в Москве Театр музыки и поэзии, и стала его художественным руководителем. Она скрупулезно и придирчиво работает не только над каждым спектаклем, но и над каждым номером, каждой своей песней.

Верность своим убеждениям
Во второй половине 1980-х годов в СССР началась волна разоблачений преступлений сталинизма. Наступило время, когда стало можно то, чего долгие десятилетия было нельзя. На этой волне было опубликовано много статей, книг, написано песен, снято фильмов…
А Елена Камбурова еще в 70-е годы подготовила две сюиты для голоса на стихи полузапрещенных тогда поэтов Осипа Мандельштама и Анны Ахматовой, о человеческих трагедиях в эпоху культа личности. И совершенно открыто выступала с этими сюитами перед публикой! Соответствующие органы морщились, но запретить эти выступления почему-то не смогли. Для многих они стали настоящим откровением.

Широчайший творческий диапазон
Елена Камбурова не ограничивает себя только эстрадой. Или только театром. Или еще какими-то жанрами. Она всегда занималась и продолжает заниматься тем, что ей интересно, тем, к чему ее влечет душа. К тому же ведь природа наделила её голосом редчайшей красоты и необыкновенного диапазона. Она может сыграть своим голосом любую роль, будучи всегда такой разной и оставаясь при этом самой собой.
В результате она создала множество песенных циклов на стихи известнейших поэтов России и мира, поставила несколько спектаклей, в которых играет главные роли. А еще голос Елены Камбуровой звучит за кадром более чем в 100 фильмах. Среди них: «Дульсинея Тобосская», «Приключения Электроника», «Гардемарины, вперед!», «Раба любви», «Приключения Петрова и Васечкина»…
В общем, можно сказать, что Елена Камбурова – феномен современного искусства. К счастью, как уже говорилось выше, она продолжает гастролировать. И ее божественный голос «живьем» может услышать каждый, кто побывает на ее концертах.

В современном кино ремейки и сиквелы, или, если по-русски – переделки и продолжения — очень распространенное явление. Особенно это касается голливудского кинематографа. В 50-х годах здесь переснимали и переделывали то, что снималось в 30-х, в 80-х и 90-х – то, что снималось в 50-х и 60-х. Ну а сейчас, соответственно, переделывают то, что снимали 20-30 лет назад.
В российском кинематографе картина точно такая же. Но почему-то современные российские переделки и продолжения получаются во много раз хуже оригиналов. И дело тут не только в таланте режиссеров и актеров, но и в подходе к своей работе.
В общем, если думать в первую очередь о кино, то кино и получается. А если думать всегда только о прибыли, и еще раз о прибыли, и снова о прибыли, то получается не кино, а нечто другое, которое хорошо рифмуется со словом «кино», но плохо пахнет…
Это касается всех последних российских переделок. Увы. Какую ни возьми – кина нету. Есть то, другое…
Что касается американцев, они в своих переделках берут высоким техническим качеством, но в творческом и сюжетном отношении их ремейки выигрывают тоже далеко не всегда.
Вот есть такой фильм «Птицы» у мастера ужасов Альфреда Хичкока. Снят он был в 1963 году, и поразил тогдашнюю публику не только великолепными спецэффектами, но и напряженным, захватывающим сюжетом.
Несколько лет назад в Штатах был снят ремейк на этот фильм, в котором птицы, нападавшие на людей, были сделаны в современной компьютерной технике, но, увы, фильм получился совершенно пустой, неувлекательный.
Летом нынешнего года тема переделки «Птиц» возникла опять. На этот раз, правда, продюсеры будущего ремейка говорят, что он будет основан не на фильме Хичкока, а на рассказе английской писательницы Дафны Дюморье, по которому Хичкок и снимал свой шедевр.
Такой путь, в принципе, более продуктивен, чем прямое копирование.
Вот, к примеру, в 1966 году американцы сняли шпионский боевик «Фантастическое путешествие», о том, как группа ученых была очень сильно уменьшена, и в специальном корабле введена в тело другого ученого для того, чтобы устранить тромб в его мозгу.
В 1987 году на основе такой же сюжетной предпосылки был снят очень неплохой фильм «Внутреннее пространство», и на этот раз кино было выдержано в жанре боевика-комедии.
Сейчас американцы серьезно намерены снять ремейк «Фантастического путешествия». Очень интересно, что у них получится.
Ну а неугомонные российские продюсеры нацелились на переделку суперпопулярного в свое время советского фильма «Человек-амфибия», вышедшего на экраны в 1962 году. В прессе появились сообщения, что уже подобраны актеры на главные роли.
Но что получится из этой затеи – никому не известно. В начале 2000-х годов один современный российский режиссер уже сделал ремейк «Человека-амфибии», в виде телевизионного сериала. И сериал этот получился настолько ужасным, что показали его по ТВ только один раз.
Так что режиссеру и актерам новой версии фильма по этому роману Александра Беляева придется очень постараться, чтобы сделать новое кино как минимум не хуже прежнего.

Он родился в 1899 году в городе Курске, умер в 1969 году в Москве, и всю жизнь оставался неисправимым оптимистом, воспевая в своих полотнах молодость, красоту, веру в самое светлое будущее. И когда видишь картины Дейнеки, реальность счастья и в настоящем и будущем ощущается просто физически.
Он даже самого себя на знаменитом автопортрете изобразил в виде атлетически сложенного мужчины в самом расцвете сил, хотя тогда ему было уже 49 лет.
В своем творчестве он с детства соединил две страсти – к технике и к рисованию. В 20-х годах учился в знаменитом ВХУТЕМАСе (Всесоюзных художественно-технических мастерских), затем сотрудничал с журналом «Безбожник у станка», откровенно сатирически изображая попов и околопоповскую публику.

Чуть позже, в конце 20-х, начал иллюстрировать детские книги, в частности, в 1926 году книжку для самых маленьких «Про лошадей», а в 1928-30 годах сотрудничал с детским издательством «Искорка».
Параллельно Александр Дейнека работал в самых разных жанрах – иллюстрации, монументальной живописи, делал плакаты и т.п. То есть какими-то узкими рамками он никогда себя не ограничивал.
Важной стороной его жизни была искренняя дружба с пролетарским поэтом Владимиром Маяковским. Они были очень похоже. Оба искренне верили в революцию, оба были очень сильными личностями, и, одновременно, очень тонкими, чуткими и непростыми людьми.
Этим объясняется то, что в 20-е и 30-е годы Александр Дейнека состоял в самых разных творческих объединениях, покидая их одно за другим по причине творческих споров с коллегами и руководством.
В 1935 году он совершил поезду в Европу, проехав по многим странам, а в 1937 году его большая картина «Знатные люди страны Советов» получила высшую награду не где-нибудь, а на всемирной Парижской выставке. Грубо говоря, «капиталисты» присудили высшую премию художнику из социалистической страны!

А самая известная картина Александра Дейнеки военной поры – это впечатляющая своей мощью «Оборона Севастополя», написанная в 1942 году.

Но даже во время войны творческий и человеческий оптимизм не оставлял Александра Дейнеку никогда. В 1944 году он пишет великолепную картину «Раздолье». Девушки в спортивной форме бегут по цветущему лугу, как будто бы и нет никакой войны.

Кстати о девушках.
Дейнека очень много рисовал обнаженную женскую натуру. И, так же как мастера прежних эпох, любил изображать очень сочных, пышущих здоровьем, полнотелых девушек.
И, ей-богу, глядя на девушек на его картинах, хочется думать, что такими и должны быть все девушки в мире, а вовсе не такими, которые сейчас очень озабочены своим похуданием.

В 50-60-е годы Александр Дейнека продолжал создавать новые картины и также занимался преподаванием.
К настоящему времени его картины находятся во многих музеях России и мира, а также в частных коллекциях.
И какие бы не бушевали исторические бури и страсти, никто не может отрицать в творчестве Александра Дейнеки главного – его удивительного, яркого, оптимистического таланта художника и человека!