До самого конца 1920-х годов кинематограф называли «великим немым». И он действительно был великим, потому что кинорежиссеры той эпохи с помощью довольно ограниченного арсенала технических средств добивались исключительных результатов.
Достаточно вспомнить хотя бы Чарли Чаплина, фильмы которого остаются популярными и более чем смотрибельными до сих пор.
Ну и что, что они немые и черно-белые?.. Зато как они поставлены! Какие у них сюжеты! И великолепная игра актеров.
В первой трети ХХ века на фоне в основном развлекательного американского кинематографа совершенно самостоятельные творческие направления разрабатывал европейский кинематограф, и в первую очередь немецкий – до прихода к власти Гитлера.
Одним из самых ярких кинорежиссеров той Германии был Фриц Ланг, который фактически был мрачным провидцем, поскольку в своих фильмах он предсказал многие из тех кошмаров, которые пришлось пережить человечеству в последующие десятителия ХХ века. И века XXI – тоже.
В 1927 году Фриц Ланг снял один из самых мощных фильмов за всю историю кино – «Метрополис», в котором фактически была переосмыслена основная идея Герберта Уэллса из его романа «Машина времени», о разделении человечества на «верхнее» и «нижнее».
В «Машине времени» это были живущие на поверхности Земли изнеженные элои, поглупевшие, потерявшие дар речи потомки прежних «властителей планеты», и подземные жители морлоки, заботящиеся об элоях, но одновременно и питающиеся ими.
В «Метрополисе» изображен фантастический город, где на «дне» живут нещадно эксплуатируемые рабочие, а «наверху» наслаждаются всеми благами жизни правящие классы. На этом фоне разворачивается драматическая и фантастическая история любви главных героев, которая кончается их победой над всеми обстоятельствами и врагами.
Фильм гениальный, и до сих пор производит неизгладимое впечатление. Работа режиссера, великолепная игра актеров, драматургия, пластика, ритм, хореография – все здесь на таком уровне, что во время просмотра даже не верится, что все это могли изобразить люди в конце 20-х годов прошлого века.
На фоне «Метрополиса» современные киноподелки, несмотря на всю их красочность и «трехмерность», выглядят просто убожеством. Тот же «Аватар» — это ведь откровенная халтура, которую после настоящего кино смотреть просто невозможно.
Кроме «Метрополиса» Фриц Ланг снял еще много фильмов, как правило, довольно мрачных. Среди них и его первый звуковой фильм 1931 года, под названием «М» — о том, как город ищет маньяка-убийцу детей…
В общем, во многих своих фильмах режиссер Фриц Ланг стал фактически провидцем. Но его современники, как водится, его не услышали. Уже в самом начале 1930-х годов Германия тяжело заболела «коричневой чумой», да еще и попыталась заразить ею весь остальной мир.
Есть легенда, что министр пропаганды Третьего рейха Йозеф Геббельс предлагал Фрицу Лангу возглавить все кинопроизводство Германии, но Ланг отказался, и эмигрировал в США, где много и плодотвоно работал до самой своей смерти в 1976 году.
А «Метрополис» был урезан, перемонтирован, и одно время считалось, что существенная его часть вообще утеряна, пока в 2008 году в музее кино в Буэнос-Айресе (Аргентина) не была найдена оригинальная версия фильма.
И теперь жители XXI века могут увидеть этот фильм целиком, так, как его задумывал автор.
Там есть, что посмотреть, и над чем подумать…

В вопросах управления, баланс между инициативой подчиненных и беспрекословным, безукоризненным и предельно точным выполнением приказа часто является определяющим для успеха или неудачи.
Крайности подходов к творчеству и исполнительности наиболее отчетливо видны в армейской среде. Древнеримская а в дальнейшем немецкая военные машины представляют собой одну крайность. Бойцы объединены дисциплиной и боевой спаянностью в единый механизм. Именно они стали использовать коллективное оружие, точнее сами превратились в такое оружие, даже когда не было еще ни такого термина, ни собственно оружия коллективного управления. Однако, превращение человека в винтик огромного механизма оказалось непросто и сам механизм – крайне нерасторопным, негибким и нежизнеспособным в долгосрочной перспективе. Немцы, прославив «Ordnung», в многочисленных войнах нового времени не продемонстрировали каких-либо исключительных побед. Более того, в мировых войнах они потерпели поражение. Нельсон не смог бы одержать ни одной своей победы, если бы вел себя в духе дисциплины и каждый бы его шаг был под контролем.

В противовес первому подходу, спартанцы и Суворов придавали личности бойца чрезвычайно важное значение. Именно умение не отрицая дисциплины, «знать свой маневр» придало коллективным усилиям необычайную эффективность. Однако этот способ требует крайне высокой квалификации управления и очень, очень дорог.

Что жнее до современности, то у автора крепнет уверенность, что в наши дни креативности и творчества становится объективно все меньше.
Креатив, понимаемый автором как созидательность, подменяется оригинальничаньем.
Удельный вес собственно первоначальной идеи в любом конечном продукте часто минимален, если вообще не стремиться к нулю. Креативность становится все более пустодекларируемой, т.е. рекламно-выпяченной без собственно идей и свершений.
Вспоминается «старорежимный» анекдот, когда свадебного генерала уломали произнести тост. Седоусый и полный генерал с трудом отрывает афедрон от стула и густым, пропитым басом говорит: «Господа!… минутная пауза…Гхм! …. Опять пауза… Да! Господа!…» Очередная пауза прерывается громким шепотом старой девы, сидящей напротив: «Как говорит! Боже! Как он говорит!»

Дисциплина, в том числе и в явный ущерб делу, стала важнейшим приоритетом. Очень показательна в этом смысле отставка министра финансов (Кудрина). Ладно, Богс ним с министром – у нас свои трудности. Персональный способ и совет автора по балансу между исполнительностью и творчеством таков: работа разделяется на участки. И, самый привлекательный – поле для креативности и работоспособности. Самый непривлекательный – для тупого исполнительства. Если работа вся однообразна – то надо найти подработку. И, плавно «перетекать» в успешный сегмент. Успех объективно достигается при достижении интересного участка максимальной доходности. Не зря тогда балансировали …

Этот неповторимый мультипликационный персонаж вошел в нашу жизнь, более 50-ти лет назад. Те зрители, которые в 1957 году увидели самый первый мультфильм про Кротика, раздобывшего себе штанишки, уже пошли или скоро пойдут на пенсию, а Кротик продолжает оставаться все таким же маленьким, обаятельным, очень добрым и находчивым.
И вот буквально на днях стало известно, что создатель Кротика, чешский художник Зденек Милер, скончался на 91 году жизни.
Очень, очень жаль.
Он был одним из тех великих художников, которые создавали современную мультпликацию как таковую. Причем Зденек Милер сумел найти свой неповторимый почерк и своего героя, хотя к 40-м годам прошлого века, когда Милер только начал заниматься мультипликацией, весь мир уже заполонили образы Уолта Диснея.
Начался творческий путь Зденека Милера еще в начале 1930-х годов, когда 10-летний будущий художник учился в третьем классе обычной школы.
Однажды на уроке рисования учитель попросил класс, в котором учился Зденек, нарисовать городской пейзаж. Зденек нарисовал. Посмотреть на его творение пришли чуть ли не все учителя школы в полном составе. Среди школьников этот рисунок также вызывал фурор.
Всеобщее признание совершенно ясно дало понять мальчику, чем ему следует заниматься в жизни.
После школы он поступил в Высшую декоративно-прикладную школу в столице Чехии Праге. Поступал еще до начала Второй мировой войны, а окончил этот учебное заведение в 1942 году, когда Чехия уже была оккупирована гитлеровской Германией.
Тем не менее, в стране работали учебные заведения, снималось кино, и даже производились рисованные фильмы.
На одной из студий рисованных фильмов и начал работать Зденек Милер. Вообще-то Милер не собирался становиться художником-мультипликатором, он собирался заниматься серьезной живописью.
Однако в те годы неизвестному художнику прокормиться с помощью живописи было практически невозможно, а студия давала не только постоянную работу, но и устойчивый заработок.
В конечном счете Зденек Милер ничуть не жалел о том, что его жизнь сложилась именно так.

Классических художников в мире много, а «папа» Кротика – только один.
К середине 1950-х годов Зденек Милер был уже признанным мастером мультипликации, и работал на Пражской студии мультипликации. Где-то в 1956 году к нему подошел один из сценаристов студии и предложил сделать мультфильм по его сценарию.
В этом сценарии шла речь о производстве ткани из льна, однако никакого сказочного персонажа не было, а были только станки, технологии, и все такое прочее.
Зденек Милер решил, что детям такая подача темы будет неинтересна, и решил придумать некоего объединяющего эту идею персонажа.
Так и появился Кротик.
Всего Зденек Милер, лично сам и с помощью группы художников, создал 57 мультфильмов о Кротике. Последний из них вышел в 1998 году, то есть когда Милеру было уже 77 лет.
Солидный возраст для творческого человека!
Ну а Кротик, сколько бы ни прошло лет, всегда остается в одном возрасте – тех маленьких зрителей, которые с неизменным удовольствием смотрели его в прошлом и продолжают смотреть в настоящем.
Нет никаких сомнений, что и в будущем у Кротика всегда будет множество маленьких и больших друзей.

Имеется в виду не развлечения в отелях, на пляжах и курортах, которыми руководят специальные люди-аниматоры, а то, что раньше называлось мультипликацией, когда оживают рисунки или куклы.
А ведь когда-то и сами рисунки были совершенно новой технологией отображения реальности. Когда перый первобытный художник взял в руки обгорелую в костре палку, и с ее помощью изобразил на стене пещеры что-то вроде пасущегося мамонта, в мире появилось изобразительное искусство.
А когда кто-то из художников догадался нарисовать множество последовательных рисунков на страницах блокнота, родилась мультипликация. Когда блокнот перелистывали, изображение как будто бы начинало двигаться. Кошечка потягивалась, собачка куда-то бежала. И так далее.
Ну а затем мультипликация была совмещена с киносъемкой. Изображения начинали двигаться уже на экране кинотеатров.
Правда, анимация тогда была еще совсем «первобытной». Каждый из мультфильмов приходилось создавать практически полностью вручную, по фазам. Работу несколько облегчило то, что художники-аниматоры почти сразу додумались разделить собственно изображение и фоны. На определенное количество заранее созданных фонов накладывались изображения героев мультфильма.
Одновременно с рисованной анимацией появилась и кукольная. Создание кукольных фильмов было не менее трудоемким занятием, чем создание рисованных. Нужно было создать уже не только рисованные задники, но и пространственные композиции, на которых там и сям надо было разместить кукол. Для их оживления применяется разная техника. Либо кукол водят кукловоды, как в знаменитом «Маппет-шоу», либо движения кукол также рассчитываются по фазам, и каждая фаза из 24-х на одну секунду покадрово снимается камерой.
Именно так снимались наши любимые мультики по крокодила Гену и Чебурашку.
Но вот, уже в конце ХХ века в рисованной анимации появились такие программы, как Flash, а вместо кукольных появились так называемые технологии 3D. В этом направлении изначально конкурировали две основные программы – 3D Max и Maya. Первые фильмы про Шрека, к примеру, делались в усовершенствованном 3D Max’e, а многие другие «трехмерные» современные мультики делаются в программе Maya. К этим программам прилагается множество других, в которых разбираются только профессионалы.
И еще в современной анимации все шире используется технология «motion capture», то есть захват движений. Это когда актер надевает специальный костюм с датчиками, и при его движении датчики передают информацию на компьютеры, где она обрабатывается и записывается.
Мимику лица тоже записывают с помощью специальных крохотных датчиков, размером 1-3 миллиметра, которые наклеиваются на лицо актера в определенных местах.
Актер должен очень хорошо владеть своей мимикой, чтобы изобразить именно то, что нужно!
Однако все эти навороченные технологии ни в коем случае не заменяют режиссерского, актерского таланта и того особенного «нечто», что обязательно должно присутствовать в искусстве.
Иначе, несмотря на все технические и материальные затраты, готовое анимационное кино просто невозможно будет смотреть.

Слово «loft» в прямом переводе с английского означает «чердак». Но вообще-то оно превратилось на Западе в особый термин, понятный очень многим людям. «Лофтами» в Западной Европе и США называют жилые помещения, перестроенные из бывших фабрик, складов или пакгаузов.
Дело в том, что в эпоху Промышленной революции XVIII-XIX веков в различных городах Европы и США было построено огромное количество ткацких, обувных, швейных фабрик, а также складов и портовых пакгаузов.
А ведь как тогда строились такие производственные предприятия?
Строительная индустрия тогда еще не выпускала длинномерных перекрытий и основным строительным материалом был красный кирпич. Поэтому производственные предприятия XVIII, XIX и начала ХХ века получались довольно своеобразными – с невысокими потолками и относительно небольшими помещениями.
В них устанавливалось низкопроизводительное оборудование, потому что высокопроизводительного оборудования тогда просто не было.
Поэтому на таких предприятиях работало большое количество людей, и для них нужно было обеспечить необходимое освещение и тепло в холодное время года.
Отношение капиталистов к пролетариату в ту эпоху было по-настоящему скотским, люди работали по 12-14 часов, но тепло и относительные удобства рабочим все равно приходилось обеспечивать, иначе они просто не смогли бы трудиться и приносить своим хозяевам прибыль.
А когда к середине ХХ века индустриальная эпоха на Западе стала переходить в «пост-индустриальную», огромное количество бывших фабрик и складов опустели.
Где-то они были просто снесены, а где-то их снос был либо невыгоден, либо прямо запрещен государством, желающим сохранить исторический облик своих городов.
Но при этом государство не только не возражало, но даже и приветствовало перестройку бывших складов и фабрик во что-нибудь полезное современным людям.
Так что на месте таких предприятий появились жилые дома с квартирами-студиями или своеобразные отели, со стилизованными «индустриальными» интерьерами, шлифованными бетонными полами и минималистским оформлением гостевых номеров.
Очень часто в этих жилищах и отелях-лофтах комнаты и номера для постояльцев делаются в разных уровнях, что очень интересно разбивает пространство и создает особый шарм.
Само собой, в лофты проводятся все современные коммуникации, от канализации и водоснабжения до высокоскоростного интернета.
И в результате получается очень даже симпатичное жилье, покупка или съем которого стоит вполне приличные деньги.
И новым хозяевам выгодно, и государству.
В нашей стране лофты намного менее распространены, хотя кое-где они тоже появились.
Во-первых, у нас было просто намного меньше фабрик.
Во-вторых, те, которые были, еще в 20-х годах прошлого века превратились в коммунальные квартиры, либо были просто снесены без всякой жалости и оглядки на будущее.
А жаль.

Мы сейчас все очень хорошо знаем, что такое мюзикл, и, тем более киномюзикл, но в нашей стране остался практически неизвестным так называемый жанр «водного мюзикла», который был чрезвычайно популярен в США в 1940-50 годы.
А начиналось все с фильма «Серенада солнечной долины», где вода была представлена исключительно в виде льда, причем в одной из сцен совершенно черного.
В этом черно-белом фильме главную роль сыграла норвежка, троекратная чемпионка мира по фигурному катанию Соня Хени. И американским продюсерам запала в голову идея спортивного фильма, который продвигал бы в массы американского народа идею исключительно здорового образа жизни.
Однако в те годы в кино уже пришел не только звук, но и цвет, а лед в этом отношении предлагает мало возможностей. К тому же основная часть США находится в теплых широтах, где лета намного больше, чем зимы.
Но именно в конце 1930-х годов на южных курортах Америки и в больших отелях с просторными бассейнами и искусственными водопадами очень популярными стали водные шоу.
В головах продюсеров все сложилось в лучшем виде!
Нужно начинать снимать фильмы на основе этих шоу!
Дело было за «малым» — нужно было найти для таких фильмов главную героиню, не менее прекрасную и артистичную, чем Соня Хени, только умеющую очень хорошо плавать, нырять и вообще красиво двигаться в воде.
И продюсеры «положили глаз» на 19-летнюю Эстер Уильямс, которая в 1939 году выиграла подряд три чемпионата США в заплывах вольным стилем и брассом, и уже в 1940-м году должна была войти в состав сборной страны для участия в очередных Олимпийских играх. Этим планам помешала война.
Зато в 1940-м году фото пловчих в купальных костюмах, в том числе и Эстер Уильямс, было опубликовано в одном из американских журналов, и Эстер в числе прочих пригласили принять участие в очередном водном шоу.
Там-то на нее и обратили внимание продюсеры той самой кинокомпании «Metro-Goldwyn-Mayer», которая и сняла «Серенаду солнечной долины».
Но Эстер Уильямс была очень хорошо воспитанной девочкой, получившей правильное семейное воспитание, и ей очень не понравились нравы, которые царили в шоу-бизнесе. Властолюбие организаторов, финансовые злоупотребления и сексуальные притязания – всего этого там хватало с избытком.
Целый год потратились кинопродюсеры, чтобы уговорить Эстер сняться хотя бы в одном фильме. Они не прогадали!
Первый цветной фильм с участием Эстер Уильямс, «Двойная жизнь Энди Харди», вышел на экраны в 1942-м году. В нем уже была незамысловатая любовная интрига, красочное водное шоу, и, самое главное, Эстер Уияльмс в белом целомудренном купальнике, который, однако, только сильнее подчеркивал ее великолепную фигуру.
С этого фильма началась ее слава, которую в Америке помнят до сих пор.
А еще именно с тех фильмов зародился такой вид спорта, как синхронное плавание.
И в самом деле, как это красиво, когда артистичные мокрые девушки в облегающих купальниках плавают, ныряют, перестраиваются в воде, создавая своими ручками, ножками, улыбками удивительные живые композиции!
Всего Эстер Уильямс приняла участие в 22-х фильмах, и последний из них вышел на экраны в 1961-м году, когда ей было уже 40 лет.
Она родилась 8 августа 1921 года. И в этом году ей пошел уже 91-й год.
Да-да! Эстер Уильямс сейчас жива и неплохо себя чувствует.
Вот что значит – здоровый образ жизни и постоянные водные процедуры!..

Это такие истории, либо когда женщины переодеваются в мужчин, либо когда мужчины переодеваются в женщин. Реально женщины переодевались в мужчин, когда им очень хотелось повоевать.
Самый известный подобный случай в мире – с Орлеанской Девой, то есть Жанной д’Арк, хотя некоторые историки утверждают, что она была не женщиной, а гермафродитом. Истину сейчас на все 100% установить невозможно, хотя спекуляций на этот счет предостаточно.
В России была широко известна так называемая кавалерист-девица Надежда Дурова, которой лично царь Александр I разрешил служить в армиии в образе мужчины и даже зваться мужским именем Александра Андреевича Александрова.
Эта история вдохновила Эльдара Рязанова на его фильм «Гусарская баллада» 1962 года с великолепной музыкой Тихона Хренникова.
Эльдар Рязанов рассказывал, кстати, что при подборе актрисы на эту роль он был вынужден отвергнуть очень многих красавиц, поскольку в костюме корнета их женские формы были слишком заметны. А Лариса Голубкина выглядела одинаково великолепно и в милом розовом платье, и в мужской одежде.
Вообще в кинематографе сюжет с переодеванием используется довольно часто, иногда очень удачно, иногда не очень.
Хорошо известен английский фильм 1990 года Джонатана Линна «Монашки в бегах». В этом фильме два гангстера в образе монашек выглядели очень даже убедительно. Ну, собственно, наряд монашек такой, что под ним можно скрыть кого угодно.
Что касается детского кинематографа, то такой момент есть в фильме Ролана Быкова 1970-го года «Внимание, черепаха!» когда мальчик в платье девочки-одноклассницы сбегает из санатория, чтобы спасти черепаху. Несколько раз сюжет с переодеваниями мальчиков в девочек был использован в «Ералаше», хотя там это было уже в пародийном ключе.
В 2000-м году в США вышел фильм «Бруно», о мальчике, которого очень толстая мама любила наряжать в платья, и ему это очень даже нравилось. На вопрос бабушки: «Что тебе дает платье?» Бруно ответил: «Оно дает мне силу!» Чуть позже Бруно продемонстрировал, в чем это выражается, когда в небольшой драке победил своего старого обидчика-одноклассника. При этом Бруно был как раз в платье, а обидчик – в обычном школьном костюме. Такая вот попытка остроумия со стороны режиссера Ширли Маклейн. Этот фильм несколько раз был показан разными каналами российского ТВ.
Один из самых лучших фильмов с переодеваниями был в 1978 году снят польским телевидением. Назывался этот 6-серийный фильм «Dziewczyna i chłopak», то есть «Девочка и мальчик». В центре сюжета были 11-летние брат и сестра, двойняшки, очень похожие друг на друга.

Они были большие озорники, и родители решили их разделить на лето, отправив отдыхать по-отдельности к разным родственникам. Но дети и тут придумали большую шалость: сестра переоделась мальчиком и отправилась отдыхать в образе своего брата, а он нарядился в платье сестры и провел лето у родственников в образе девочки. И в этом образе даже отличился на пожаре, получив в награду от местной дружины настоящую стальную каску пожарного.
В советском прокате этот фильм шел под названием «Проделки близнецов». Он был также показан и во Франции, с многоголосым закадровым дубляжом.
Надо сказать, что во всех вышеперечисленных фильмах, и с участием взрослых, и с участием детей нет никаких пошлых трансвестистских оттенков. На первом месте там сюжет с яркой и логичной интригой, и потому эти фильмы остаются интересными и сейчас, через много лет после их создания.
А вот в реальности трансвестизм, особенно на Западе, сейчас распространен очень широко. Почему так происходит – тема отдельного разговора.
Тут жизнь оказывается намного сложнее искусства…

Существенной частью детского фольклора, о котором на Узнайке уже шла речь, являются истории-страшилки, которые дети рассказывают друг другу. Даже сейчас, в эпоху всевозможных кино- и компьютерных ужастиков, дети продолжают рассказывать эти истории.
Обычно это происходит в гостях или в летних лагерях отдыха, во время тихого часа или после отбоя, когда свет выключен, телевизор смотреть запрещено, по мобильному телефону разговаривать тоже не разрешается, а так хочется еще поболтать о разных житейских и жизненных впечатлениях, которых у детей тоже хоть отбавляй.
Вот в такое время, вполголоса или шепотом, и начинаются разные воспоминания – о домовых, инопланетянах, привидениях, и так далее. А если среди детей есть хороший рассказчик-фольклорист, то обязательно вспомнятся истории и про страшные Зеленые Руки, Гробик На Семи Колесиках, или Старушку, Которая Кушала Мертвецов.
Вот эта самая старушка в свое время до дикого крика напугала автора этих строк. Причем было мне тогда уже лет двенадцать, а историю эту рассказал мне и моим двоюродным братьям наш сосед, учащийся выпускного класса средней школы.
Этот парень, по имени Павел, был родом из многодетной семьи, и несколько лет пробыл в интернате, приезжая домой только на каникулы. Вот там-то, в интернате, он и научился рассказывать страшилки как следует.
В общем, дело было вечером, Павел зажег свечку, выключил электрический свет и принялся рассказывать своим завороженным слушателям эту самую историю – про старушку, которую подвозил некий водитель из деревни в город, а она просила водителя останавливаться у попутных кладбищ, и кушала там мертвецов из свежих могилок. Водитель за ней проследил…
Заканчивалась эта страшилка коронным образом: водитель спрашивал старушку: «Бабушка, вы мертвецов ели?» А она тянула к нему руки и убедительно подтверждала: «Да, ела!»
Вот в этом-то месте Павел, который мастерски подвел свою аудиторию к данному кульминационному моменту, протянул вперед руки, изображая старушку, замогильным голосом произнес: «Да, ела!..», и мы все услышали чей-то дикий крик.
Это был мой крик, как тут же выяснилось.
Много позже попал я однажды в качестве дежурного воспитателя в лагерь труда и отдыха для старшеклассников. И попросили меня девчонки-старшеклассницы рассказать им что-нибудь интересное. И я им рассказал, в качестве шутки юмора, как Павел рассказывал нам эту историю про старушку-некрофилку.
Ну и, разумеется, вверенные мне воспитанницы страсть как захотели услышать саму историю про старушку.
Дело было днем, между прочим. В залитом солнцем помещении летнего клуба. Так что я решил, что ничем не рискую.
Но в процессе рассказа я тоже как-то увлекся, и руки протянул, изображая старушку, с самым зловещим видом. Хотя и не в сторону своей аудитории.
Однако дружная реакция впечатлительных слушательниц оказалась чрезвычайно бурной. Раздались дикие крики ужаса, а кого-то натурально затрясло. К счастью, этим все и ограничилось. Никто не остался на всю жизнь заикой, и ни у кого не было сердечного приступа.
Но с тех пор страшных историй я не рассказываю ни детям, ни взрослым…

К началу 1960-х годов Великобритания уже несколько лет как перестала быть всемирной империей. Индию она потеряла еще в 1947 году, а все остальные колонии растеряла в последующие несколько лет. Правда, она до сих пор как бы правит Австралией, но это так, не более чем реверанс в сторону ее английского величества.
Однако с 1962 года Великобритания вновь начала завоевывать мир. Только не с помощью силы, а с помощью искусства кино.
Именно в 1962 году на экраны вышел первый фильм из киносериала про Джеймса Бонда — «Доктор Но». Многие восприняли его неоднозначно, однако факт остается фактом – именно с этого фильма началась эпопея, которая продолжается по сей день.
К счастью, в свое время, еще при жизни писателя Яна Флеминга, придумавшего этот образ, снимать фильмы про Джеймса Бонда отказался американский Голливуд. Его продюсеры отозвались о самой идее этих фильмов как «слишком английской», а о герое, как о «слишком сексуальном».
И очень хорошо, что Джеймс Бонд так и не стал американцем. Это позволило ему сохранить чисто английскую элегантность и стильность.
Как известно, актера на главную роль подбирали очень долго, и в конце концов самым первым Джеймсом Бондом стал шотландец Шон Коннери, который очень хотел сыграть эту роль.
Но к 1971 году он сыграл уже в 6-ти фильмах о Бонде, насладился и деньгами, и мировой славой, и ему стало казаться, что он, как актер, способен на гораздо большее. Поэтому от участия в следующем фильме о Бонде Шон Коннери отказался.
В седьмом фильме единственный раз эту роль исполнил Джордж Лэзенби.
А в восьмом фильме, «Живи и дай умереть», в 1973 году, своего первого Джеймса Бонда сыграл Роджер Мур.
После этого фильма очень многие заговорили, что Роджер Мур сыграл Бонда значительно лучше, чем Шон Коннери.
Может быть, это и так. Их просто трудно сравнивать, этих двух актеров. Они оба харизматичны, оба элегантны, у обоих великолепное чувство юмора и довольно ироничное отношение к своему герою.
Но, пожалуй, Роджер Мур и в самом деле сильнее всех других актёров выделяется в ряду исполнителей роли Джеймса Бонда. Он более яркий, более стильный, в нем и на самом деле больше юмора. Да и эпоха тогда была в кино более яркая. Она очень сильно опиралась на личности режиссеров и актеров, а не на спецэффекты.
Хотя, пожалуй, и спецэффекты в фильмах с Роджером Муром будут тоже посильнее, чем спецэффекты в первых фильмах «бондианы» с Шоном Коннери.
Например, просто потрясающе смотрится массовый старт космических челноков и последующее сражение на космической станции в фильме «Лунный гонщик» 1979 года.
Реальный первый полет первого «шаттла» состоялся только в 1981 году.
Кстати, в 1983 году Шон Коннери вновь сыграл Джеймса Бонда в очередном фильме. Зато в 1985 эту роль вновь исполнил Роджер Мур! Хотя ему было уже в тот момент 57 лет, поскольку он ведь старше Шона Коннери на 3 года.
Такое вот получилось соревнование двух великих актеров.
Ну а что касается новых фильмов про Джеймса Бонда, которые снимаются в последние годы… Ну, они, конечно, делают хорошие сборы, приносят своим продюсерам приличную прибыль, но все-таки прежнего блеска им не хватает.
Да и актеры тоже в них далеко не те.
Пирса Броснана еще как-то можно сравнить с Роджером Муром, не в пользу Броснана, конечно.
А уж Даниэл Крэйг хотя и очень похож внешне на более молодого Шона Коннери, но нет в нем ни харизмы, ни стиля.
И никакими спецэффектами их не заменишь.

Есть такое явление – детский фольклор. Это, прежде всего, считалки, мирилки, дразнилки, страшилки, и даже разные сказки и приключенческие истории, а также игры, которые самими детьми не записываются, но передаются от одного поколения детей к другому, и живут очень долгое время.
Как это происходит?
Если дети разного возраста имеют возможность длительное время встречаться где-нибудь на детской площадке, то возле старших детей обычно всегда собираются и младшие. Иногда старшие зовут младших в свои игры, иногда не зовут, если младшие совсем маленькие, но как бы то ни было, младшие свободно наблюдают за играми старших и запоминают все то, что делают старшие.
Детский ум ведь очень восприимчив, особенно в самом раннем возрасте.
И вот родители замечают, что приводят они домой с прогулки свою двухлетнюю малявочку, а та уже лепечет какую-нибудь считалку, которую услышала во время игры на площадке от старших девочек.
«Квинтер, минтер, раба, финтер, минтер, жаба!» — смысла нет, зато есть ритм и четкое обозначение каждого вовлеченного в игру. На кого попадет «жаба», тот и водит.
Или вот, замечательная игра «Гуси, гуси, га-га-га». В нее с удовольствием играют и старшие дошколята, и младшие школьники.
Гуси, гуси?
Га-га-га!
Есть хотите?
Да-да-да!
Ну, летите, раз хотите,
Только крылья берегите,
За горою серый волк,
Съесть вас хочет,
Зубы точит!
И после этого «гуси»-дети с криками восторга разбегаются по площадке, а «волк»-водящий их ловит. То есть это как будто бы все те же обыкновенные «догонялки», но организованные значительно интереснее, и даже в сказочной форме.
Совсем недавно я был свидетелем такой игры во дворе школы. Это была группка подготовишек, которая с явным увлечением и удовольствием играла в эту игру вместе с учителем, повторив ее несколько раз с разными водящими.
Самый первый мальчик-водящий, громко вопросив свое «Гуси-гуси?» и не услышав в ответ дружное «Га-га-га!», потребовал: «Сделайте га-га-га!», дети «сделали», и после этого игра пошла как надо.
Определенная часть детских игр и общения должна проходить и совсем без взрослых. Это так называемая саморегуляция, которая вообще-то происходит тоже под влиянием взрослых, которые просто не присутствуют в такие моменты. Но ведь они присутствовали раньше и постарались передать детям навыки правильного поведения.
Например, очень важно научить детей правильно выходить из конфликтов, которые на площадке случаются сплошь и рядом. Лучший способ для этого — мирилка «Мирись, мирись, и больше не дерись!». Дети и сами часто пользуются этой мирилкой, когда хотят быстро погасить возникший конфликт.
Очень хорошо, если в сложившейся разновозрастной группе детей есть какой-нибудь старший опытный лидер. Допустим, девочка или мальчик лет 8-10, или несколько младше, или несколько старше.
Слово «опытный» тут можно употребить совершенно серьезно, без всяких натяжек.
Если такой ребенок-лидер с самого раннего возраста находился среди других детей, свободно наблюдал за их играми, учился практическому общению, и если он обладает уравновешенным характером и прирожденным чувством юмора, то лидер из него получается просто замечательный.
В общем, дорогие родители, позволяйте детям как можно чаще просто играть вместе на площадке. Свободное игровое общение детям необходимо ничуть не меньше, чем целенаправленное обучение письму, чтению или, допустим, большому теннису.