В этом году многие торговые центры решили начать праздник встречи Нового года задолго до его наступления, и установили перед своими зданиями огромные елки в электрических огнях и украшениях еще в октябре.
Цель торговых предприятий вполне ясна – им нужно увеличивать продажи, и чем раньше народ озаботиться покупками новогодних подарков, тем лучше.
С другой стороны, почему бы и не озаботиться новогодними подарками заранее? И не только подарками, но также и новогодними планами, которые ни в коем случае не повредят предновогоднему рабочему графику, если заниматься этими планами спокойно и без суеты.
Именно такая суета охватывает многих людей, которые из-за текущих дел откладывали новогодные заботы до последнего.
Вдруг, в последних числах декабря они вспоминают, что праздник уже вот-вот наступит, а у них еще любимые родственники, и начальники, и подчиненные, и даже соседи остались непоздравленными! И, самое главное, непонятно, где и как они сами будут встречать Новый год!
Вот тут-то и начинаются метания и беспокойные визиты в магазины, где приходится выбирать подарки наспех, да еще и в толпе таких же взбудораженных страдальцев.
Это еще ладно.
Начинаются бурные разговоры дома, с женой и детьми, особенно если дети уже большие, и норовят ускользнуть от заботливых родителей под Новый год в какую-нибудь свою компанию.
В общем, чтобы избежать всех эти треволнений, лучше подумать о новогоднем празднике заранее.
Сейчас об этом думать еще совсем не поздно! И даже, можно сказать, самое время!
Прежде всего, надо подумать, где вы будете встречать праздник. Если предполагается, что это будет большая компания друзей или коллег, тогда надо озаботиться о месте встречи.
Тут сложность в том, что встреча Нового года происходит ведь всегда в одно и то же время, и различные рестораны, кафе, дома отдыха и т.п., начинаю испытывать ажиотажный спрос. Соответственно, они взвинчивают цены.
Чем ближе к новому году – тем цены выше.
Делайте выводы, господа!
В последние годы также стало очень популярным для больших компаний встречать Новый год в специально снимаемом для этого жилом коттедже. Но об этом тем более надо озаботиться прямо сейчас, потому что далеко не каждый владелец коттеджа пустит в свой дом на праздник веселую компанию в несколько десятков человек.
Стоимость ремонта внутренних помещений коттеджа после такого праздника может оказаться очень значительной…
Поэтому, кстати, и цены за новогоднюю аренду коттеджа являются очень высокими. Аренда коттеджа на один-два дня новогоднего праздника стоит столько же, сколько аренда приличного дома на месяц.
Еще интереснее – ситуация с теми, кто любит встречать Новый год в теплых краях, среди пальм, на берегу океана.
Такие новогодние туры начинают раскупаться еще за полгода до новогодних праздников, а то и раньше.
В общем, тем, кто еще не начинал думать о встрече Нового года, пора начинать это делать прямо сейчас!
Чтобы праздник и в самом деле стал веселым, приятным и без всякой лишней суеты.

Цветочный бордюр вдоль дорожек на дачном участке или на участке при загородном доме – дело хорошее. Такой бордюр очень декоративен, даже если состоит всего лишь из примул, маргариток, незабудок и анютиных глазок. Даже самые простые цветы придают неповторимое очарование участку. Но вот уход за бордюром – дело хлопотное. Ведь для бордюра используются цветы низкие, и любой сорняк радостно раскидывается над ними, уничтожая всю прелесть и декоративность. И приходится постоянно пропалывать бордюр, чтобы не допустить его зарастания сорняками. А это – время и силы. Но можно пойти другим путем, уменьшить трудозатраты и сохранить цветочный бордюр.

Все, что потребуется – пластиковые бутылки. Желательно, чтобы они были одного размера. Оптимально использовать бутылки 1,5 или 2 л. Из полуторалитровых бордюры получаются поуже, из двухлитровых – пошире.

Бутылки разрезаются вдоль на две равные половины. Отрезается неровное дно и сужение к пробке. Получаются этакие «лодочки», полуцилиндры. Эти «лодочки» вкапываются вдоль дорожек на место будущего бордюра, заполняются землей, а затем засаживаются цветами. Дешево и сердито. Сорняков в результате получается в разы меньше, да и прополка куда как легче, ведь сорняк не может уйти глубоко в землю корнями – ему мешает пластик.

Маленький нюанс. Следует предусмотреть дренаж, иначе при первом же дожде все цветы всплывут корнями вверх. Для этого достаточно с помощью горячей спицы проделать вдоль дна «лодочек» дырочки. Лишняя вода будет благополучно уходить в землю под «лодочками».

Аналогично можно создавать и клумбы, особенно хорош такой метод для альпийских горок – в горку вкапываются горшки с цветами. «Горшки» можно делать из остатков пластиковых бутылок (тех самых, отрезанных частей), не забывая обеспечить их дренажной системой.

«Мы смерти смотрели в лицо» — фильм, снятый в 1980 году, один из лучших фильмов, посвященных блокаде Ленинграда. Сценарий фильма основан на реальных событиях – создании фронтового молодежного ансамбля из ленинградских детей в первую блокадную зиму. Главную роль – бывшего балетмейстера Дворца пионеров, Бориса Корбута – исполнил бесподобный Олег Даль, сумевший точно воссоздать образ прототипа своего героя, Аркадия Обранта.

Сюжет фильма очень прост. Бойцу Корбуту, как бывшему балетмейстеру, поручается набрать в блокадном Ленинграде ансамбль танца для агитвыступлений. И он отправляется с передовой в город, нагруженный доппайками – все знают, что в Ленинграде тяжело с продовольствием, и Корбуту несут хлеб и тушенку. Но действительность оказывается куда как ужаснее, чем все, что могли предполагать. Опустевший и изувеченный город. Отыскать взрослых танцоров невозможно – люди или на фронте, или так ослабли от голода, что ни о каких танцах речи быть не может. Невозможно найти артистов и других жанров, даже чтецы не в состоянии выступать – блокада высосала из людей все силы. Случайная встреча определяет все – Корбут сталкивается на улице с мальчиком, который до войны танцевал в ансамбле Дворца пионеров. И он уводит из Ленинграда агитансамбль из детей блокады. В финале фильма – выступление ансамбля перед бойцами.

Как видите, все очень и очень просто. Никакого лихо закрученного сюжета. Даже никаких трупов штабелями. Умирает только один человек – один из бывших танцоров Дворца пионеров. Умирает на руках у своего балетмейстера, последний, оставшийся в пустой квартире, переживший всю семью. Умирает от голода. Кроме этой смерти – еще один артобстрел и обрушившийся дом. Для фильма о войне – совсем немного. Но как впечатляет!

Серый город, тусклые краски, жесткий снег… и люди, совсем немного людей, закутанных по самые уши во все теплое тряпье, которое только нашлось в выстуженных квартирах. Ставшие сейчас легендой объявления: «Эта сторона во время артобстрела особенно опасна». Мародеры, не стесняющиеся отнимать последнее у умирающих от голода людей, приманивая их куском хлеба. Дети, падающие в обморок от голода, но упрямо встающие к балетному станку. Скупые штрихи, рисующие жуткую картину. Рисующие без надрыва, четкими, точными линиями. И именно это впечатляет до слез.

Хотите почувствовать дух блокадного Ленинграда? Ощутить весь ужас безнадежности, в котором жили эти люди, не потерявшие ни надежны, ни человечности? Хотите увидеть волшебство – артиста, который ни при каких обстоятельствах не забывает о том, что он – артист? Посмотрите «Мы смерти смотрели в лицо». Оно того стоит.

В свое время и до того широко известный Сергей Безруков прославился участием в постыдном сериале «Бригада». Постыдным эта гангстерская сага является потому, что ее главные герои – обыкновенные бандиты и грабители.
А бандиты, воры, грабители не являются героями в принципе. Они должны сидеть в тюрьмах (по завету Глеба Жеглова), и там петь свои блатные песни, снимать свое кино, если им хочется, и сами себя этими песнями и этим кино развлекать.
Ну не должны бандиты своим «творчеством» отравлять общественное сознание, тем более, сознание молодежи. Не должно быть такого. Неправильно это. Категорически неправильно.
Судя по всем действиям Сергея Безрукова, эту простую, но ясную мысль он осознал очень четко, потому и отказался категорически от съемок в «Бригаде 2», хотя гонорар ему предлагался по российским масштабам очень солидный.
Этот отказ особенно важен на фоне того, что Сергей Безруков примерно в то же самое время выступил в роли продюсера фильма «Реальная сказка» по своему же, вместе с Андреем Мармонтовым, сценарию.
Андрей Мармонтов стал и режиссером этого фильма.
А продюсер – это ведь прежде всего человек, который ищет и находит деньги на производство фильмов. Нормальный продюсер просчитывает рынок, определяет коммерческий эффект будущей кинопродукции, приходит с соответствующими выкладками в определенные структуры и там получает деньги. Чтобы потом их вернуть, когда будет прибыль от фильма.
Но Сергей Безруков, сыгравший в «Реальной сказке» еще и роль Ивана-Дурака, поступил не как нормальный продюсер. Он поступил, без всякой иронии, по-дурацки.
Он не стал просчитывать коммерческий эффект, не стал обивать пороги Министерства культуры РФ и Госкино, а также связанных с ними структур. Он просто очень хотел снять этот фильм, потому что с его помощью хотел высказаться, донести до общества некую идею.
Безруков вложил в этот фильм собственные деньги, а также деньги частных лиц, которым идея фильма оказалась близка.
И только уже после завершения фильма Министерство культуры и Госкино России предложили Сергею Безрукову свою поддержку.
Вот такая вышла очень человеческая и не самая распространенная в наше время история.
Что же касается фильма – он получился на удивление мощным, цельным, захватывающим, со спецэффектами на уровне мировых стандартов, и с великолепной музыкой Марата Файзуллина.
Главную роль, мальчика Саши, замечательно сыграл 14-летний Максим Шибаев, роль его сестры Олеси, которую Саша спасает от Кощея, сыграла Анастасия Добрынина, более всего известная по роли Куки в одноименном фильме.
Ну а Кощеем в фильме стал Леонид Ярмольник, по-прежнему находящийся в отличной актерской форме, и сыгравший на этот раз сложный и пугающий образ хитроумного мерзавца, наделенного также и сверхъестественными способностями.
3-го ноября «Реальная история», при поддержке «Централ Партнершип» вышла в общероссийский прокат с вполне приличным количеством копий – 300 штук.
Очень бы хотелось, чтобы этот фильм посмотрело как можно больше зрителей. Потому что «Реальная история» — это реально Большое Российское Кино, в лучших традициях лучшего советского кино, но с переосмыслением на современном уровне.
Есть в этом фильме и любовь, и предательство, и горечь утрат, и сладость победы.
А самое главное – есть в нем надежда и настоящее чудо, которое происходит, если верить в него и приложить для его осуществления все силы.

Триумфальное шествие «Кота в сапогах» компании DreamWorks по киноэкранам всего мира внушает надежду на то, что с человечеством на планете Земля все еще может быть в порядке. Да, именно такие эпохальные мысли приходят в голову в связи с данным явлением современного анимационного искусства.
Дело в том, что сам этот герой – хитроумный кот, хотя и без штанов, но в сапогах, шляпе и при шпаге – персонаж очень непростой.
Впервые он стал широко известен в 1697 году, когда Шарль Перро выпустил свой знаменитый сборник «Сказки матушки Гусыни» из 9-ти сказок, среди которых была сказка и про кота в сапогах.
Этот герой существовал в фольклоре многих народов мира, но только Шарль Перро смог придать ему и особый шарм, и такие черты характера, которые сделали этого Кота харизматичной личностью.
И, самое главное, у Шарля Перро Кот в сапогах персонифицировал очень важную философскую мысль о том, что в этой жизни важны не богатства, не принадлежность к тому или иному сословию, а прежде всего ум, вера в свои силы, находчивость, бесстрашие, добросердечность и способность всегда идти на выручку попавшим в беду.
Эта глобальная мысль великого сказочника оказалась актуальной не только для конца XVII века, но и для многих последующих веков.
Столько лет сильные мира сего внушали простонародью, что оно – не более чем быдло, историческая миссия которого заключается только в служении и услужении королям, баронам и помещикам, и тут вдруг с помощью сказки выяснилось, что данное внушение не соответствует действительности.
Тем самым Кот в сапогах олицетворил надежду на перемены к лучшему в жизни каждого отдельного человека, и всего общества в целом.
Ведь что было в сказке Шарля Перро?
Кот в сапогах, не имея сначала ничего, кроме своей обуви (чтобы не повредить лапы в кустах), ловит кролика, и с этим незамысловатым подарком заявляется к самому королю.
И король принимает его!
Тут же Кот в сапогах учтиво охмуряет Короля, рекомендуя ему своего хозяина, Маркиза Карабаса, который на самом деле является самым младшим и самым бедным сыном мельника. То есть Кот оказывается еще и одним из первых в истории профессиональным пиарщиком, специалистом по имидж-мэйкингу!..
Затем в Маркиза Карабаса влюбляется принцесса, Кот уничтожает злобного великана и передает все его имущество своему хозяину. Свадьба с принцессой, счастливый конец!
Очень интересна в сказке Шарля Перро эволюция будущего маркиза: сначала этот бедный парнишка во всем сомневается, всего боится, но вскоре, уверившись в уме своего замечательного кота, проникается уверенность и в себе самом и в своем светлом будущем. И в результате его светлое будущее очень скоро становится реальностью.
Сказка – ложь, да в ней намек, не правда ли?
И этот намек был очень хорошо понят и принят всеми читателями сказки Шарля Перро.
А теперь, в новой интерпретации, его с таким же интересом и восторгом воспринимают все зрители нового полнометражного мультфильма компании DreamWorks.

Сказка с таким сюжетом есть в фольклоре самых разных народов. Обиженные хозяевами осел, пес, кот и петух уходит из дома, пугают разбойников и остаются жить в их лесном домике. Но самым знаменитым оказался тот вариант, который в своем сборнике обработанных народных сказок в начале XIX века представили немецкие собиратели фольклора братья Вильгельм и Якоб Гримм.
В разных странах мира именно по этому варианту поставлено множество детских спектаклей и создано мюзиклов с музыкой разных композиторов.
У нас в стране по мотивам этой сказки были сделаны целых три мультфильма: в 1969 году – «Бременские музыканты», в 1974 году – «По следам Бременских музыкантов», и в 2000-м году – «Новые бременские музыканты».
Самыми известными и всенародно любимыми до сих пор остаются мультфильмы 1969-го и 1974 года.
Это вполне объяснимо.
Во-первых, в тех мультфильмах – гениальная, сразу же запоминающаяся музыка Геннадия Гладкова на блистательные стихи Юрия Энтина.
Во-вторых, те мультфильмы точно попали в эпоху, особенно мультфильм 1974 года, в котором пародировался западный полузапрещенный в СССР рок-н-ролл, и в образе поющего осла с очень чувственными губами сразу же угадывался солист группы «Rolling Stones» Мик Джэггер.
Многие российские рок-музыканты, чей зенит славы наступил в середине 80-х, вспоминали, что именно музыка из мультфильма «По следам Бременских музыкантов» впервые заставила их самих заинтересоваться рок-н-роллом и вообще современным на тот момент музыкальным искусством.
Кроме того, самые главные герои из тех эпохальных мультфильмов отчетливо напоминали хиппи – и своей одеждой, особенно вызывающе сексуальным платьем Принцессы, и своим образом жизни: «Нам дворцов заманчивые своды не заменят никогда свободы!».
Движение хиппи на Западе к концу 70-х сошло на нет, и многие из бывших борцов за свободу без особых проблем перешли в дворцы своих отцов-капиталистов. Такова жизнь.
А мультфильмы про Бременских музыкантов перешли в новую эпоху практически без духовных потерь.
В свое время, в середине 1970-х годов, суммарный тираж грампластинок с музыкой из этих мультфильмов достиг сумасшедшего тиража в 28 миллионов экземпляров!
И к началу нового века, учитывая новую свободу и новый технический уровень аудиносителей, музыка из тех мультфильмов стала известна практически всем от мала до велика. Некоторые строчки из песен даже стали афоризмами. «Ох, рано встает охрана!», «Говорят, мы бяки-буки», и т.д.
О третьем фильме про Бременских музыкантов, 2000-го года, лучше ничего не говорить.
Что касается мюзикла, то он был сделан в Москве уже к 40-летию первой части мультфильма, по музыке из первых двух частей, и получился очень даже неплохим.
Ведь есть вечные сюжеты, и вечная музыка, которая остается интересной людям разных эпох и разных поколений.
И в то же время ведь никто никому не мешает сочинять новую эпохальную музыку, на другие эпохальные сюжеты.
Главное, чтоб во всем этом изюминка была.

Поэму «Руслан и Людмила» Александр Сергеевич Пушкин начал писать еще в Лицее, когда ему не было и 18-ти лет. Продолжил он писать ее и по выходе из Лицея, и писал два года, с 1818 по 1820 год.
С этой поэмой юный поэт никуда не торопился. Финансовых проблем у него не было, после Лицея, по его собственным воспоминанияи, «жизнь он вел самую рассеянную», так что обращался к работе над поэмой только в те дни, когда прибаливал и не мог выходить из дома.

У Лукоморья дуб зеленый,
Златая цепь на дубе том,
И днем и ночью кот ученый
Все ходит по цепи кругом…

Эти строчки из начала самого текста поэмы всем известны, но перед ними есть еще посвящение юным девам, которым Пушкин так и написал: «Примите ж вы мой труд игривый!».
Поэма «Руслан и Людмила» и в самом деле была игрой, шуткой, и даже пародией прежде всего на очень известную тогда балладу в стихах Василия Андреевича Жуковского «Двенадцать спящих дев», и даже на «Историю государства Российского» Николая Карамзина.
Поэтому она так наполнена разными эротическими моментами и шуточным переосмыслением разных исторических событий.
Уже в 1820-м году поэма начала печаться в журнале «Сын отечества», и шутнику Пушкину тут же досталось «на орехи» от многих критиков, принявшихся упрекать его в «нарушении приличий».
Но критики высказали свое, а поэма осталась жить, и вошла в золотой фонд русской и мировой классической литературы. Стихотворенье про Лукоморье дети учат в младших классах школы, не подозревая пока о том, что в поэме есть «неприличные» места…
А еще по «Руслану и Людмиле» Михаил Глинка написал знаменитую оперу под тем же названием.
Михаил Глинка начал писать оперу в 1837 году, то есть в год смерти Пушкина, и музыка у него получилась прекрасная, а вот либретто (то есть текст) основательно подкачало, поскольку для его создания Глинка привлек своих друзей, поэтов-любителей. К тому же опера получилась грандиозная по длине. В ней целых пять действий, и если поставить оперу полностью, она продлится несколько часов.
Зато в 1972 году знаменитый киносказочник Александр Птушко снял великолепный фильм «Руслан и Людмила», на который многие дети и взрослые в те годы ходили по много раз.
Во-первых, Птушко обратился только к тексту первоисточника. В фильме звучит только Пушкин, и никаких доморощенных стихоплетов.
Во-вторых, в фильме есть удивительные по тем временам спецэффекты и потрясающая комбинированная съемка. Один полет Черномора просто захватывает дух.
В-третьих, в фильме использована специально написанная для него музыка Тихона Хренникова. Музыку Михаила Глинки Александр Птушко трогать не стал, и правильно сделал.
В общем, эта «легкая», «игривая» поэма Александра Сергеевича Пушкина требует очень бережного подхода.
Большой театр в Москве об этом, видимо, забыл.
Показанная им в начале ноября этого года опера Михаила Глинки «Руслан и Людмила» вызвала очень неоднозначную реакцию публики. Михаил Глинка тут, правда, ни при чем, поскольку его музыка осталась все такой же прекрасной. Проблема заключается в «современном переосмыслении» этой оперы ее режиссером.
Видимо, об этой постановке еще очень много будут говорить.
Но лучше не говорить, а просто читать великолепный текст Пушкина, потому что он по-прежнему все такой же свежий, блистательный, увлекательный и живой.
Лучше самого Пушкина о Руслане и Людмиле еще никто не сумел рассказать.

О ней мы много слышали и часто видим в разных изображениях, документальных фильмах, телепрограммах и так далее. Можно сказать, что античная скульптура является существенной частью современной культуры.
Всем также известно, что античная скульптура делится на древнегреческую и древнеримскую.
Так вот, та скульптура, которая нам известна, это в основном древнеримская, во многом представляющая из себя продолжение и копирование древнегреческой.
А сама древнегреческая скульптура в ее первоначальном виде до наших дней практически не дошла.
Мы только можем узнать о великих древнегреческих скульптурах по сохранившимся описаниям.
Например, известно, что греки отливали очень много статуй в бронзе. Была у них широко развита и так называемая хризоэлефантинная техника исполнения скульптур. Это когда на деревянный каркас прикреплялись пластинки из слоновой кости.
В такой технике великий древнегреческий скульптор Фидий создал огромные скульптуры Зевса и Афины. Волосы у Афины и Зевса, а также борода главного бога древних греков были при этом изготовлены из золота, а глаза – из драгоценных камней.
То есть, получается, что древнегреческие скульптуры были еще и разноцветными. И, следовательно, раз они не сохранились, никаких правильных зрительных впечатлений у нас о них нет. И все древнеримские мраморные копии, ценные, конечно, сами по себе – это только слабые отражения того, что было у древних греков на самом деле.
Древние греки создавали скульптуры по двум основным направлениям искусства – во-первых, для прославления своих богов, и, во-вторых, для прославления тех или иных великих людей, в основном спортсменов, героев Олимпийских игр.
Скульптуры богов изготавливались громадных размером – 10-15 метров высотой. Высота третьего чуда света, статуя Зевса в храме его имени, вместе с пъедесталом по разным оценкам, составляла от 12 до 17 метров.
Эта статуя простояла в храме около 7 веков, пока не была частично разрушена землетрясением. Потом наступили темные времена, Олимпийские игры больше не проводились, слоновую кость, золото и драгоценные камни со статуи Зевса ободрали грабители, а ее деревянный каркас сгорел.
Ну а скульптуры в честь великих спортсменов назывались куросы, и спортсмены были изображены уже не такими громадными, как боги, но всегда обнаженными. Ведь во время различных спортивных состязаний они всегда соревновались без всякой одежды.
К тому же очень широко известна склонность древних греков-мужчин к однополой любви.
Женские статуи, посвященные не богиням, а жрицам, создавались всегда одетыми, но как позы мужчин-спортсменов, так и позы женщин-жриц всегда изображались в спокойном состоянии, полном достоинства и красоты.
Увы, все это мы теперь можем себе только представить, но увидеть не сможем никогда.

В мировом кинематографе не так уж много фильмов, которые по-настоящему являются культовыми. И среди них – шедевральная трилогия «Назад в будущее».
Роберт Земекис снимал ее в золотое для современного кино время, на протяжении 6 лет, с середины 1980-х до начала 1990-х.
В основу сюжета была положена уже очень избитая тема путешествий с помощью машины времени, которую одним из первых начал разрабатывать в 1895 году Герберт Уэллс.
Но благодаря интереснейшему сценарию Роберта Земекиса и Боба Гейла, а также великолепной режиссуре и прекрасному ансамблю актеров, каждый фильм трилоги «Назад в будущее» сразу же становился хитом, и до сих пор многие смотрят и пересматривают с неизменным удовольствием.
У трилогии три главных центра притяжения, три главных актера:
Майкл Фокс, сыгравший Марти МакФлая, Кристофер Ллойд, сыгравший гениального ученого, Дока Эммета Брауна, и автомобиль Де Лореан, сыгравший практически самого себя, только фантастически оформленного.
Выбор именно этого автомобиля, кстати, был совершенно оправдан. Во-первых, у Де Лориана самого по себе потрясающая конструкция и дизайн.
Рама из композитных материалов, кузов из нержавеющей стали, всего две двери, открывающиеся вверх, как крылья чайки. Конечно, с такими экстерьером Де Лориан был просто предназначен сыграть эту роль.
Между прочим, выпускался автомобиль не где-нибудь, а в Северной Ирландии. В реальности завод обанкротился, выпустив всего что-то около 9 000 автомобилей, из которых около 8 000 до сих пор на ходу, и владельцы ими очень дорожат.
Сейчас даже трудно представить себе в ролях Дока и Марти других актеров, но однако, в роли МакФлая начинал сниматься другой актер, а Кристоффера Ллойда тоже пригласили не сразу.
В третьей части появилась еще одна великолепнейшая актриса, Мэри Стинберген, сыгравшая Клару Клейтон.
То ли по случайному совпадению, то ли из-за остроумной шутки самой судьбы, вышло так, что впервые Мэри Стинберген и Кристофер Ллойд встретились в 1978 году в фильме-вестерне Джека Николсона «Направляясь на юг». В том фильме 25-летняя Мэри Стинберген вообще впервые снималась в кино, а Кристофер Ллойд играл ее неудачливого ухажера. Удачливого играл сам Джек Николсон. И вот в третьей части трилогии «Назад в будущее», которая тоже является вестерном, герои Ллойда и Стинберген носят совсем другие имена, зато любят друг друга и даже создают семью.
Кроме кинофильмов, был снят еще и мультипликационный сериал, который мы в России, к сожалению, не видели. И есть еще разные компьютерные игры. И множество сайтов, на разных языках, посвященные этой замечательной истории.
Создатели этих сайтов подробнейшим образом описывают все происходящее в фильмах, тщательно выискивают всякие особенности и несоответствия, спорят о разных тонкостях путешествий в будущее…
И значит, «Назад в будущее» и в самом деле совершает с нами это путешествие!

Эту фразу произносит, как известно, Городничий в бессмертной комедии Н.В. Гоголя «Ревизор». В ней над Городничим сильно посмеялись, и ему стало обидно. Вот он и дал понять всем остальным: сами, вы мол, дураки!
А не было бы у людей чувства юмора, то они и не смеялись бы.
Этого чувства нет только у низших животных, а у высших оно есть, и проявляется прежде всего в поведении, потому что улыбаться и смеяться животные не умеют.
И если у животных юмор ситуационный, поведенческий, то у людей он очень часто бывает социальным, в своеобразной форме выражая ощущения людей от жизни в тех или иных обстоятельствах.
К примеру, так называемый юмор абсурда зародился в Англии на рубеже XVIII-XIX века как ответ на прессинг разных общественных условностей и «приличий».
Самым ярким выразителем юмора абсурда уже в середине и второй половине XIX века стал английский художник и писатель Эдвард Лир, сочинивший множество так называемых лимериков, то есть шуточных одностиший определенного размера. Вот, например:

Один старикан из Перу,
Себя не найдя на пиру,
Покинул свой дом,
И с диким котом
Вопил целый день о Перу!

Глупость, в общем, несусветная. Но смешно!
Юмор абсурда и даже сатира абсурда чуть более чем через сто лет получила яркое развитие на советской эстраде.
Здесь его великолепным выразителем стал поэт-пародист Александр Иванов, который вел ТВ программу «Вокруг смеха», а также Михаил Жванецкий, который в этой программе очень часто выступал.
Тогда о многом прямо сказать было нельзя, и эти двое юмористов-сатириков говорили о том же самом иносказательно.
Удивительно, что слушатели понимали весь этот перевернутый юмор, а на советском телевидении на его основе даже снимались целые фильмы.
Был многосерийный фильм «Люди и манекены», где множество героев и ситуаций изобразил Аркадий Райкин, был фильм на основе миниатюр Михаила Жванецкого. В том фильме все сценки исполнили Роман Карцев и Виктор Ильченко. Ну а «Вокруг смеха» — это был тоже, в общем-то, целый юмористически-сатирический сериал. Очень высокого класса.
Не зря же в «Вокруг смеха» ни разу не выступил Евгений Петросян. Он очень просился. Не пустили. И правильно сделали. Евгений Ваганович — человек удивительно пошлый, склонный к самому примитивному юмору совсем, совсем ниже пояса.
Достаточно посмотреть хоть разок «Кривое зеркало», чтобы в этом убедиться.
Но на нашей современной сцене все-таки и сейчас есть очень неплохие юмористы. Например, всем известные два Владимира из Украины – Данилец и Моисеенко. Они, правда, тоже выступают в «Кривом зеркале», но при этом способны и на много более тонкий юмор, что и демонстрируют постоянно.
Ведь самый главный парадокс юмора заключается в том, что каковы мы сами – таков и наш юмор.
А вовсе не наоборот, как многие ошибочно полагают.